Desnud Arte: Gerhard Marcks

Gerhard Marcks (18 de febrero de 1889 – 13 de noviembre de 1981) escultor y pintor del movimiento del expresionismo. Nació en Berlín, Alemania. Desde el año de 1907 empezó a realizar sus primeros trabajos en el campo de la escultura. Conoció a George Kolbe, Richard Scheibe y Gaul. En 1908 abrió un taller con Scheibe. Sus primeras obras tienen la influencia de la tradición gótica germana: figuras esbeltas y estilizadas (generalmente desnudas) y una mayor inclinación por las formas medievalizantes, en detrimento de las expresionistas.

Para el año de 1914, ambos realizaron unos relieves para la exposición del Deuscher Werkbund (Colonia), la exposición estaba a cargo de Walter Gropius. Además, presentaron varios relieves realizados en terracota que luego fueron dispuestos para la decoración del restaurante de Gropius y Meyer. Este evento fue el umbral de una fructífera colaboración con Gropius, responsable de la fundación de la Bauhaus.

Con el comienzo de la Primera Guerra Mundial, Marcks tomó la decisión de luchar por su país. En el periodo de posguerra activó la colaboración con la Bauhaus, esta agrupaba a varios artistas que hacían parte de la Escuela de Bellas Artes y la de Artes y Oficios, la Bauhaus ocupó un papel primordial en el panorama cultural alemán. Su programa estaba hondamente mediado por las experiencias de Otto Bartning, y pretendió concertar la independencia de la obra artística y su carácter funcional.

Esta perspectiva sociológica de la función de la obra de arte será característica de la producción de la Bauhaus, hasta 1933, año de su clausura. Marcks fue uno de los primeros artistas que fueron invitados a ser parte de este selecto grupo de artistas. Su labor fue encargarse de la dirección del taller de cerámica. La Bauhaus tuvo varios talleres, todos con una perspectiva vanguardista y funcional. Cuando la Bauhaus estaba consolidada tenía talleres de imprenta, mueble, textil, tipografía, metal, plástica y pintura mural.

Su taller de cerámica tenía gran independencia y ello se reflejó en una producción de mayor cantidad y calidad. Un aporte importante en su taller se lo dio Max Krehan, gracias a su talento, pero también a la dotación de hornos y de otros materiales utilizados en el taller. En definitiva, le brindó un notable avance en la producción de este taller. En este taller se inculcaba, a los estudiantes, la pasión por la investigación de las formas tradicionales folklóricas, para luego adaptarlo a una perspectiva propia.

Marcks fue el pionero en el concepto de diseño industrial en la escuela de Weimar. Posteriormente, por problemas internos Marcks decidió dejar la dirección del taller y centrarse en el aspecto productivo con ayuda de sus estudiantes:  Otto Linding y Theodor Bogler. Cuando ascendió el nazismo, el escultor fue destituido. Sus obras fueron confiscadas y su difusión prohibida. Con la caída de Adolf Hitler, su suerte empezó a mejorar y fue llamado a la Escuela de Arte de Hamburgo. Realizó varias exposiciones individuales y colectivas y estuvo al mando de diseños de monumentos e iglesias. Por ejemplo: el tímpano de la iglesia de Santa Catarina de Lübek.

Durante su trayectoria practicó tanto la escultura de bulto redondo como el relieve en terracota e incluso el grabado. Sus obras tuvieron la influencia de Kolbe y Scheibe, y la de Wilhelm Lehmbruck, representante de una generación impregnada por el impresionismo y el clasicismo. Una obra significativa de esta etapa es su escultura Madre turingia (1921), escultura en acero, también podemos mencionar: Pareja de enamorados. Su técnica más usual fue la xilografía, una obra realizada con esta técnica es Gato y caballo (1921). Posteriormente se destaca Freya, escultura realizada en el año de 1949, donde demuestra su predilección por un sentido clásico de la figura que le emparenta con Kolbe y en la que queda patente la influencia del escultor clasicista Adolf Hildebrand (1847-1921). Luego de su muerte le rindieron varios homenajes, uno de ellos a cargo de la comunidad alemana residente en Chile, construyeron la estatua Gisela, que se encuentra en el cerro Santa Lucía de Santiago; su inscripción reza: “Tributo de gratitud del pueblo alemán”.

Fuente del texto: Historia-Biografía.com Autora: Camila Díaz.

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Desnud Arte: Sofus Madsen

Sofus Madsen (1881-1977) nació en Kristiania, Noruega, hijo de Sofie y Theodor Madsen. La familia se mudó a Bergen cuando Sofus tenía tres años, a Kalmargaten. Allí creció, y allí tuvo quizás su primer encuentro con la escultura. En el barrio, el escultor Hans E. Johannessen tenía su estudio. Sofus lo visitaba a menudo, y tal vez este encuentro temprano con las artes fue primordial en su elección de carrera.

Después de la escuela primaria, Sofus Madsen comenzó en la Escuela Técnica Nocturna de Bergen, donde le enseñaron dibujo a mano alzada para moldes de yeso y retratos de modelos vivos. Uno de los dibujos que hizo después de un molde de yeso de una escultura antigua muestra que ya era un artista experto y que a una edad temprana se familiarizó con los ideales del arte clásico.

Madsen continuó su carrera educativa como aprendiz en la fábrica de rosetas de Ingebrigt Vik y en el taller de tallado en madera, como aprendiz de yesero. En este momento, alrededor de 1900, Vik, el artista detrás de la escultura de Grieg en el parque de la ciudad de Bergen, estaba ocupado y lucrativamente ocupado suministrando tejados, figuras de estuco y figuras de fachadas a una ciudad en crecimiento. En Vik, el joven Madsen aprendió sobre todo un oficio. No recordaba los tres años de Vik con gran placer: había muy poco arte y demasiado trabajo duro.

Madsen no era un artista radical y modernista. El arte clasicista fue su gran fuente de inspiración a lo largo de su vida.

Bergen, Copenhague, Berlín, París, y otra vez y para siempre Bergen, después de 12 años en el extranjero. Las grandes ciudades del continente dieron al joven Madsen diferentes impulsos artísticos: las palabras clave son clasicismo, expresionismo, simbolismo, naturalismo, conceptos que son al menos un buen punto de partida para caracterizar el arte de Madsen.

Las esculturas de Madsen hablan de un artista que dominó la anatomía humana en arcilla desde el principio. Pero su arte es algo más que reflejar el juego muscular debajo de la piel suave. No menos importante, se suponía que el juego de los músculos expresaba los movimientos de la mente. Y el arte de Madsen va más allá de eso: en su arte, él particularmente quería diseñar algo significativo sobre las etapas de la vida, desde la inocencia de la infancia hasta la edad adulta y el amor. Una serie de obras centrales trata sobre la voluntad de vida del hombre, y especialmente del hombre. Esto se expresa en títulos como Liberación, Voluntad y Poder de ruptura.

La representación de Madsen de personas en desnudos más o menos heróicos habla de un artista que buscaba lo común y lo intemporal, elevado por encima de la trivial vida cotidiana y en estrecho contacto con la naturaleza, incluida la naturaleza en el hombre.

Sofus Madsen mantuvo una distancia segura de todas las tendencias modernistas. Siguió un camino tan amplio y seguro en su arte. Si él nunca moldeó tanto la cabeza de Lenin en barro, revolucionario, Madsen no lo fue, ni políticamente ni en las artes. Madsen pertenecía a una generación de artistas para quienes todavía era natural crear esculturas de los dioses de la antigüedad, idealizadas y con todos los atributos, para darles una actualidad en lo contemporáneo. Y en las mejores cosas de Madsen encontramos las empuñaduras inspiradas y las poses significativas que llevan los temas que quería dar forma plástica.

Fuente: Sofus Madsen Sulpturmuseum (texto original en noruego).

Desnud Arte: Edmé Bouchardon

Edmé Bouchardon, (Chaumont, Francia, 1698-1762), escultor francés que fue precursor de Neoclasicismo. Sus esculturas y estatuas se caracterizan por una hábil combinación de técnicas romanas clásicas y motivos contemporáneos.

Entre 1726 y 1730 Bouchardon talló una copia de mármol de una estatua clásica, un ejercicio obligatorio para los escultores de la Academia. Para ese fin eligió como modelo “El sueño de fauno” de Barberini. El rico y variado repertorio de formas y estilos que Bouchardon estudió en Roma formó su producción como escultor y dibujante.

Bouchardon estudió con Guillaume Coustou y en 1722 ganó el Premio de Roma. Durante los siguientes 10 años vivió en Roma, ejecutando réplicas de mármol de estatuas antiguas, así como numerosos bustos de retratos.

Al regresar a Francia se convirtió en escultor de Luis XV y produjo un trabajo significativo para la residencia real. Aunque comenzó su carrera como artista comprometido con el clasicismo, Bouchardon produjo trabajos con características rococó. La “Fuente de las cuatro estaciones” (1739–45) en la rue de Grenelle de París es una elaborada pieza arquitectónica de dos pisos decorada con relieves y estatuas de las estaciones y una personificación de París. La ornamentación putti muestra la influencia del rococó. “Cupido cortando su arco” (1739–50) es una pieza clásica que ahora se exhibe en el Louvre. La estatua ecuestre de bronce de Luis XV de Bouchardon (1748–62) estuvo una vez en el centro de la Place de la Concorde, pero fue destruida durante la Revolución Francesa.

Su estilo, analizado como un sorprendente equilibrio entre la influencia clásica y una representación fiel de la naturaleza, se transmite admirablemente en sus numerosos dibujos, que fueron activamente buscados por los coleccionistas de élite de la época, junto con sus modelos de terracota y sus esculturas de piedra y mármol.

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El desnudo en el arte: Edmé Bouchardon.
Semblanzas… Edmé Bouchardon.

Desnud Arte: Antonio Canova

Antonio Canova (Possagno, actual Italia, 1757 – Venecia, 1822) Escultor italiano. Junto con el danés Bertel Thorvaldsen, Antonio Canova es el máximo exponente de la escultura neoclásica europea, de forma análoga a como el francés Jacques-Louis David fue el gran maestro del neoclasicismo pictórico. A causa de sus modestos orígenes familiares, no pudo realizar estudios artísticos y comenzó practicando otros oficios. En 1768, a raíz de su traslado a Venecia, Antonio Canova empezó a dedicarse a la escultura, y rápidamente alcanzó una fama y un prestigio que mantuvo durante toda su vida.

Sus primeras obras venecianas, como Orfeo y Eurídice o Dédalo e Ícaro, están impregnadas todavía del espíritu barroco que reinaba en la ciudad de la laguna. Cuando era ya un artista consagrado, se estableció en Roma (1781), donde definió el estilo que lo caracteriza, inspirado en la Antigüedad clásica y poderosamente influido por los principios teóricos de Winckelman, Milizia y otros autores cuyas doctrinas se hallan en la base del nacimiento del estilo neoclásico.

Sus primeras obras del período romano, como Teseo y el Minotauro, manifiestan ya la maestría técnica y la perfección en el acabado que le eran habituales. De hecho, todas sus obras fueron fruto de una larga elaboración, de una ejecución realizada con un detallismo casi artesanal. No fue Antonio Canova un escultor nato y de cincel fácil, sino que se forjó a través del estudio y el trabajo; mediante la práctica diaria del dibujo, por ejemplo, perfeccionó su plasmación del desnudo y superó las deficiencias de sus primeros estudios anatómicos.

El nombre de Canova se asocia esencialmente a esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos, que encarnan la belleza ideal y son frías y distantes, libres de la expresión de cualquier sentimiento o turbación. Este escultor, que encarna de maravilla el gusto de su tiempo, plasmó la belleza natural en reposo, libre de cualquier movimiento espontáneo y con una monocromía y simplicidad que contrastan vivamente con la etapa precedente.

En su estudio romano desplegó una enorme actividad para poder atender todos los encargos que recibía de las más destacadas personalidades del momento, desde Napoleón hasta Catalina la Grande de Rusia. Era ya por entonces el principal escultor del estilo neoclásico, condición con la que se ha perpetuado su figura en la historia del arte.

En esta línea se inscriben sus dos creaciones más conocidas: el retrato de la hermana de Napoleón, Paulina Borghese, y Las tres Gracias. Paulina Borghese está esculpida como una Venus, sobre un diván, con la elegancia y la ligereza características de Canova. Las tres Gracias encarnan el desnudo femenino en toda su perfección, y en ellas el artista parece querer reflejar algo de su mundo interior.

Canova tiene, además, el mérito de haber renovado profundamente el género del sepulcro monumental, gracias a los que esculpió para los papas Clemente XIII y Clemente XIV. Entre las muchas efigies oficiales que realizó es particularmente célebre el Napoléon desnudo, cabal ilustración de los ideales neoclásicos. Su fama como artista le abrió numerosas puertas y lo convirtió en un hombre enormemente influyente, a quien el Papado encomendó algunas misiones delicadas, como la recuperación de las obras de arte expoliadas por Napoleón.

Fuente: Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea.

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Antonio Canova. Italia 1757-1822.
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